Migliorare la fotografia di paesaggi comprendendo l'illuminazione verticale

La giusta illuminazione è infatti uno dei tre pilastri su cui si basa la riuscita di una foto: argomento interessante, composizione corretta e, infine, una luce emozionante.

Una grande illuminazione porterà infatti a una fotografia straordinaria.

Allora, qual è la luce migliore? Non esiste un tipo di luce che renda una fotografia buona o cattiva. Durezza, luminosità, colore, direzione. Tutte queste cose e molto altro determineranno il modo in cui appare l'immagine e, ancora più importante, come la si percepisce.

Se ci dedichiamo alla fotografia di paesaggi, la luce che ci capiterà di incontrare più frequentemente (a meno che non fotografiamo in prossimità dell’alba o del tramonto, è la luce verticale. Capire come questa influenza la mia immagine, è essenziale per la riuscita della foto.

Diversamente dai ritrattisti, il fotografo di paesaggi ha poche possibilità di influenzare e controllare la luce, ma applicare i principi dell’illuminazione verticale renderà possibile creare paesaggi molto più drammatici che fanno sentire allo spettatore qualcosa.

Luce e ombra

Al suo livello più elementare, una fotografia è composta da luci e ombre. Abbiamo la tendenza a concentrarci molto sulla luce nella fotografia, ma le ombre sono altrettanto importanti, se non addirittura di più. Le ombre rivelano forma, profondità e consistenza.

I fotografi ritrattisti sono maestri nel gestire la luce e l'ombra, probabilmente meglio di chiunque altro. Realizzano un ritratto muovendo la fonte di luce intorno al soggetto, fino a quando la luce non cade nel modo giusto in modo che le ombre rivelino i contorni del soggetto.

Quando scattano con luce naturale che non può essere controllata, spostano invece il soggetto.

Il passaggio dalla luce all'ombra si perde spesso nella moderna fotografia di paesaggio. I sensori della telecamera con un'incredibile gamma dinamica, insieme alla popolarità delle tecniche HDR, ci hanno permesso di riportare molti dettagli nell'ombra dei nostri paesaggi.

Questa non è una cosa negativa di per sé, perché di solito, vogliamo alcuni dettagli nell'ombra, ma si corre il rischio di esagerare troppo.

Solo perché possiamo illuminare le ombre non significa che dovremmo. Lasciando parti dell'immagine nell'oscurità aggiungi umore e mistero.

Illuminazione alla Rembrandt

Rembrandt era un maestro pittore che capiva i principi di luce e ombra meglio di chiunque altro. Studiare i suoi dipinti ti insegnerà molto su come creare l'atmosfera e il dramma in un'immagine.

L'illuminazione alla Rembrandt è diventata una classica installazione di luci nella fotografia di ritratti. Usando luci laterali morbide, questa tecnica crea un bell'aspetto che probabilmente riconoscerai facilmente.

Quando la fonte di luce proviene dal lato del soggetto, la luce permette di rivelare e nascondere vari elementi. Le parti del soggetto che sono visibili alla fonte di luce saranno illuminate mentre le parti che non sono visibili alla fonte di luce saranno in ombra.

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Capire l'illuminazione verticale per far risaltare la trama e la dimensione.

Ovviamente non puoi controllare la fonte di luce quando fotografi paesaggi, ma puoi comunque applicare gli stessi principi. Considerare come la luce cadrà sul tuo paesaggio può guidare il modo in cui lo fotografi.

La posizione da cui scatti, la tua composizione e l'ora del giorno influenzeranno tutti il modo in cui l'illuminazione influisce sui tuoi paesaggi. Anche se non puoi controllare la luce, non rimane mai la stessa, quindi aspettare che l'angolo del sole cambi o che un varco tra le nuvole possa fare una grande differenza in quel modo illumina la scena.

Reverse Engineering

Un grande esercizio per imparare a capire la luce è quello di decodificare una fotografia. Studia una immagine un'immagine che ti attira e prova a capire come era stata realizzata.

È luce naturale o flash? Quanto lontano dal soggetto è? Quanto è grande la fonte di luce? C'è più di una fonte di luce? Da quale direzione viene la luce? A che ora del giorno è stata presa? Il cielo era sereno o nuvoloso?

Impara ad abituarti ad analizzare le foto che ammiri ponendoti domande più specifiche come questa, piuttosto che quali elementi o preselezioni ha utilizzato il fotografo.

Schermare e bruciare

La luce e l'ombra modellanti non si fermano quando scattate la foto. Schermare e bruciare è il processo di alleggerimento e oscuramento delle aree di una foto in fase di post-produzione. Non ha bisogno di essere un processo complicato.

Spesso tutto ciò che è necessario è bruciare (oscurare) le aree che potrebbero usare più ombra o potrebbero essere fonte di distrazione. Uno dei modi migliori per pensare a schermar e bruciare è chiedersi dove vuoi che lo spettatore guardi.

Potrebbe essere un elemento specifico della foto, oppure potresti voler disegnare l'occhio dello spettatore attraverso l'immagine. Puoi disegnare più luce e ombre in una foto per guidare questo processo.

I nostri occhi sono naturalmente attratti da parti più luminose di un'immagine. I fotografi ritrattisti spesso schermano e bruciano per attirare l'osservatore verso gli occhi del soggetto o un altro importante elemento del soggetto. Quando modifichi i paesaggi, prova a dipingere con luci e ombre per controllare quali parti dell'immagine attirano la tua attenzione.

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Vai alla pratica

La prossima volta che stai fotografando un paesaggio, prova a dare un altro sguardo alla luce. Poniti alcune delle domande che hai visto prima. Cerca le ombre. Sperimenta con l'illuminazione laterale.

Aspetta che la luce cambi. Comprendendo l'illuminazione del ritratto sarai meglio equipaggiato per applicarlo alla tua fotografia di paesaggio. Scoprirai che pensare al paesaggio come contorni con profondità e forma piuttosto che elementi separati ti aiuterà a creare paesaggi più coinvolgenti con l'umore e il dramma.